서양 미술의 이해
-서양 미술의 시대별․양식별 특징을 알고, 사회․문화적인 배경을 이해한다.
미술과 주술：선사 시대의 미술
선사 시대의 미술은 사냥이 잘 되고 종족이 번영하기를 바라는 주술적인 목적을 가진다. 라스코 동굴 벽화, 빌렌도르프의 비너스 등에도 이러한 사상이 잘 나타나 있다.
사후 세계를 위하여：이집트 미술
기원전 5000년~3000년경에 이집트 등지에서 고도로 발달된 문명을 지닌 국가가 탄생했다. 이들은 각기 다른 종교, 문화, 환경을 바탕으로 독특한 미술을 형성하였다.
이집트 시대에는 왕의 절대 권력을 바탕으로 피라미드와 스핑크스와 같은 거대한 미술품들과 무덤 주인을 위한 조각과 벽화 등을 제작하였다. 그들은 영혼 불멸의 신앙을 바탕으로 하여 다양한 조각과 변화를 일정한 규칙에 맞게 제작하였다.
고대 이집트 인들은 미술이 주술적 효과를 가진다고 믿고 죽은 이가 생전의 모습처럼 살아가게 하기 위해 일상의 모습들을 무덤 안에 그려 넣었는데 무덤 벽화는 눈, 가슴, 팔은 정면이고, 얼굴, 다리는 측면으로 그려져 있다.
조각은 부동의 자세와 정면성의 특징을 보여 준다. 조각가는 이집트 어로 생명을 지속시키는 사람이라는 는 뜻을 가진다.
아름다움의 비밀을 찾아서：그리스 미술
인간이 자연에서 가장 아름다운 존재라고 믿었던 그리스 인들은 인간의 현실적인 모습을 그려 내려고 노력했을 뿐 아니라, 인간의 모습에서 이상적인 아름다움을 찾으려고 하였다. 그 결과 인간을 중심으로 한 합리적인 비례와 동적이고 사실적인 특징을 나타내는데 힘썼는데, 특히 조각에서는 인체의 비례를 중요시했다. 이처럼 그리스 인들은 인간의 특징을 잘 관찰하여 머리와 신체의 비례를 8등신으로 규정하는 등 미의 규범을 마련하고 이를 미술 작품에 반영하기 위해 노력하였다.
알고 가기: 기둥 양식
그리스 신전의 기둥 양식에는 튼튼하고 단순한 모양의 도리아식, 가늘고 우아한 모양의 이오니아식, 화려하고 장식적인 코린트식이 있다.
알고 가기: 헬레니즘
알렉산더 대왕의 동방 원정부터 약 3`백년간을 헬레니즘이라 부른다. 동서를 융합한 문화로서 개인주의와 세계 시민주의의 경향을 띤다. 헬레니즘 미술은 이상적인 미보다는 현실적인 미를 추구하여 강한 인간적인 감정과 특징들을 표현하였다. ꡐ라오콘과 그의 아들들ꡑ은 이 시기의 대표적인 미술로서 신체의 격렬한 움직임에서 격동적인 감정 표현을 느낄 수 있다.
전쟁과 영웅을 위하여：로마 미술
로마는 수많은 전쟁을 통해 대제국을 건설하였고 이를 기념하는 미술품을 많이 제작하였다. 사실적이고 실용적인 미술이 주로 발달하였으며, 장군과 황제의 초상, 개선문 등을 만들었다. 조각은 이상적인 아름다움을 표현한 그리스 조각과는 달리 인물이 가진 특징을 그대로 묘사하였다. 로마 인들은 실용적인 문화를 즐겨 경기장, 욕장, 극장을 만들었으며, 콘크리트로 지은 돔과 아치 구조의 공공건물을 남겼다. 회화는 폼페이 벽화가 대표적인데, 폼페이는 기원후 79년에 일어난 화산 폭발로 사라진 도시로, 18세기에 다시 발굴되었다.
알고 가기: 폼페이 벽화
폼페이 벽화는 고대 로마 시대에 어떤 그림을 그렸는지 알려 주는 훌륭한 유물이다. 79년 화산이 폭발하여 여러 도시가 6 m 두께의 화산재로 덮였는데 18`세기경에 이를 다시 발굴하여 복원하였다. 벽화와 모자이크는 이 시기에 장식적인 목적을 위해 많이 제작되었는데, 벽화는 공공건물뿐만 아니라 개인의 주택을 장식하기도 하였다. 폼페이 벽화는 액자에 든 그림처럼 그리기도 하고, 벽면이 쑥 들어가 보이게 환영을 만들어 내기도 하였다.
종교를 전파하다：중세 미술
중세의 미술은 교회의 미술이라고 일컬을 만큼 성경의 내용을 문맹자 신도들에게 전달하기 위한 도구로 사용되었다. 따라서 교회를 많이 건축하고, 성서의 내용을 담은 회화, 조각 등을 많이 제작하였다. 즉, 중세에는 성당 건축 및 조각, 성경의 삽화 등의 기독교 문화를 통하여 서양 미술의 전통이 계승 발전되었다.
이 시기의 미술은 로마 인들로부터 박해를 받은 초기 기독교 양식(카타콤 미술), 비잔틴 미술, 로마네스크 미술, 고딕 미술로 구분한다. 비잔틴 미술은 교황과 황제를 중심으로 한 기독교 미술로, 성당을 장식하기 위해 조각돌을 사용한 모자이크가 발달하였다. 로마네스크 미술은 성당 내부 벽면에는 프레스코화를 그렸으며, 바깥은 부조로 장식하였다. 고딕 미술은 스테인드글라스로 창문을 신비스럽게 장식하였으며, 첨형 아치의 구조를 통하여 천장을 뾰족하게 만들었다.
예술이 과학을 만나다：르네상스 미술
당시의 이탈리아 인들은 크리스트 교회가 인간성을 억누르고 신의 권위만을 내세운다고 여기고, 다시 그리스 로마 시대의 인간 중심의 생활을 찾으려는 욕구가 강했다.
이러한 풍조는 미술에도 영향을 끼쳐 많은 변화가 있었는데 이 시대의 미술을 르네상스 미술이라 한다.
르네상스 미술은 그리스 미술처럼 미의 규칙을 찾아 고대 미술을 연구하고 과학적인 방법으로 사실적인 표현을 추구하였다. 이 시기에 공간감과 거리감을 표현하는 원근법을 발견하였으며, 세련된 명암법과 해부학에 의한 정확한 표현이 발달하였다.
르네상스 미술은 이탈리아의 피렌체를 중심으로 북유럽 전체에 전파되었다. 이탈리아 피렌체의 대표적인 작가는 3`대 거장으로 일컫는 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로이며, 북유럽에는 판에이크, 홀바인과 같은 작가가 있다.
그림 복원
사물은 세월이 흐르면 낡게 마련인데 미술 작품도 마찬가지이다. 작품은 시간이 지날수록 표면이 갈라지고 뒤틀리며 변색된다. 작품을 보존하고 복원하는 전문 기술을 가진 작품 보존 관리자는 손상된 그림을 복원하기 위해 작품에 사용된 물감을 분석하고 원재료와 기법을 찾아낸다.
알고 가기: 불굴의 작가- 미켈란젤로
시스티나 성당 내부에 성경에 등장하는 340여 개의 인물을 표현하여 르네상스 시대의 대작을 만들어 냈다. 그는 제자도 쓰지 않고 4년 동안 천장을 향해 누워 그림을 그렸다. 거대한 천장에 스케치한 후 회반죽을 칠하고 그것이 마르기 전에 그림을 그리는 것은 엄청난 노동이 필요한 작업이다. 비가 오는 날에는 천장에서 비가 새서 회반죽이 엉망이 되었다고 한다. 미켈란젤로는 인내하는 사람만이 불후의 명작을 남길 수 있다는 것을 보여 주었다.
르네상스 미술이 중세 미술과 구분되는 사회․문화적인 배경을 조사하여 글로 써 보자.
르네상스 미술 작품 속에서 원근법, 해부학, 명암법의 표현들을 찾아보자.
-라파엘로의 작품 ꡐ아테네 학당ꡑ에서 원근법의 활용을 이해할 수 있는가?
17세기의 미술：바로크 미술
17세기 유럽 전역에 나타난 극적이며 감정적인 미술 양식을 바로크 미술이라고 한다. 바로크 미술은 르네상스 시기의 절제되고 이상적인 미술과는 달리 강렬한 색채 대비와 명암 대비, 역동적인 구도가 특징이다. 종교적인 내용을 연극적으로 연출하였으며, 왕을 위한 작품들을 많이 제작하였다. 한편 네덜란드에서는 일상의 아름다움과 정물이 그림의 소재가 되기도 하였다. 대표적인 작가로는 루벤스, 렘브란트, 페르메이르, 판다이크 등이 있다.
18세기의 미술：로코코 미술
18세기는 부유한 상류층의 후원자들과 작가들이 중심이 되어 상류 사회의 여행이나 여가 등을 소재로 한 그림이나 초상화 등을 많이 그렸다. 여기에 귀족들의 생활을 풍자하는 작가들도 있었다. 우아하고 장식적인 이 시기의 미술을 로코코 미술이라고 한다. 대표적인 작가로는 바토, 프라고나르, 샤르댕, 부셰 등이 있다.
미술과 상징
미술품은 수많은 상징으로 이루어져 있다. 인류는 역사와 문화의 발전 과정 속에서 신화와 종교적인 상징을 미술 작품으로 표현해 왔다. 고대 그리스, 로마의 신화와 중세 이후로 줄곧 주제가 되었던 성경의 이야기는 서양 미술 작품의 상징적 내용이었다. 작품 속의 아름다운 여인은 비너스일 때도 있고, 성모 마리아를 표현한 것일 수도 있으며, 평범한 여인일 수도 있다. 동양의 미술은 불교와 힌두교, 이슬람교 등의 종교적인 이미지가 상징적으로 표현되었다. 또한 작가들은 자신이 살아가는 시대의 신념을 통하여 개인적인 상징을 만들어 낸다. 현대의 미술품은 작가의 독특한 인생관을 반영하고 내적인 세계를 표현한다. 또한 그 사회의 중요한 사건, 유행하는 신념이 새로운 상징을 만들어 내기도 한다. 오른쪽의 각 작품에서 상징하는 것은 무엇일까?
19세기 미술
산업 혁명과 프랑스 혁명을 거치면서 시민들은 더 많은 자유와 여유를 가지게 되었다. 19`세기에는 수많은 미술 사조가 등장하였는데 작가들은 서로 모여 생각을 공유하고 작품을 함께 전시하기도 하였다.
권력을 나타내는 미술：신고전주의 | 18`세기 말은 유럽 전역에 전쟁과 중요한 사건들이 많이 발생한 시기로 작가들은 당시의 중요한 인물과 사건, 혹은 이와 관련된 장면을 그렸다. 이 시기의 미술은 과거 그리스와 로마 문화의 영향을 받았다. 다비드와 앵그르가 대표적인 작가로 이들은 정확한 형태를 중시하고 명암을 부드럽게 처리하였다.
자유와 정열을 향하여：낭만주의 | 고전주의가 이성적인 절제와 균형을 강조하였다면, 낭만주의는 인간의 감정과 직관을 표현하였다. 고전주의 작가들은 그리스 조각의 세련된 우아함을 표현하기 위해 붓자국이 거의 남지 않도록 매끈하게 채색하였으나, 낭만주의 작가들은 자유분방하고 힘이 넘쳐 흐르는 듯한 붓질을 보여 주었다. 대표적인 작가에는 들라크루아, 제리코, 터너 등이 있다.
자연의 아름다움을 표현하다：자연주의 | 자연주의는 자연의 소박하고 아름다운 모습을 표현하여 농촌의 전원 풍경이나 해변, 바다 등을 즐겨 그린 화파이다. 대표적인 작가에는 프랑스의 바르비종 화파인 밀레, 코로 등이 있다.
본 것만 그리다：사실주의 | 사실주의는 경험한 세계를 객관적으로 묘사하였던 화파로, 신화나 상상을 소재로 한 미술 작품들과는 달리 사회 현실이나 일상의 장면을 작품화하였다. 쿠르베는 서민들의 삶을 작품에 담아내었으며, 도미에는 사회의 부조리를 풍자하는 작품을 많이 제작하였다.
빛을 연구하다：인상주의 | 19`세기 후반에는 밖에서 풍경을 그리는 것이 유행하였다. 인상주의 작가들은 야외에서 시시각각 변하는 빛에 의해 생동하는 자연과 사물, 도시를 그렸다. 순간적인 인상을 중요시하므로 형태와 색채가 균일하지 않은 것이 특색인데, 이 때문에 초기에는 비평가들의 비난을 받았다. 모네의 ꡐ해 뜨는 인상ꡑ이라는 작품 제목에서 인상주의라는 명칭이 붙게 되었으며, 대표적인 작가에는 마네, 모네, 드가, 르누아르, 모리조 등이 있다.
알고 가기: 휴대용 물감
이 시기에 야외에서 그림을 그릴 수 있었던 것은 휴대용 물감이 발명되었기 때문이다. 1850년에 발명된 금속 튜브는 어디든 원하는 장소에서 그림을 그릴 수 있게 하였다.
점으로 그린 그림：신인상주의 | 색채의 과학 이론에 관심이 많았던 쇠라는 팔레트 위가 아닌 관람자의 눈에서 색채가 혼합된다면 더욱 선명하게 보일 것이라고 생각하였다. 이를 위해 혼색하지 않고 작은 색점들을 찍어서 표현하는 점묘법을 사용하였다. 일상적인 주제를 택하여 수많은 색점을 찍어 새로운 색채와 화면을 만들어 내었다. 대표적인 작가로 쇠라와 시냐크를 들 수 있다.
개성 시대：후기 인상주의 | 많은 작가들이 색채의 과학적 표현과 빛의 변화에 따라 달라지는 색에 주목할 때 색과 형태를 개성적으로 연구하여 표현한 작가들이 있었다.
세잔은 사물이나 풍경의 구조를 연구하였으며, 구조와 형상을 화면 위에 대담하게 구성하여 표현하였다. 그의 노력은 피카소를 비롯한 입체주의 작가들에게 영향을 미쳤다. 반 고흐는 자유롭고 감성적이며 개성적인 색채 표현 방법을 보여 주었다. 특유의 강한 윤곽선과 불타는 듯한 터치, 강렬한 색채는 그의 내면을 표현한 것이다. 같은 시기에 활동하였던 고갱은 문명의 삶을 버리고 원주민과 함께 생활하며 새로운 작품 세계를 발견하였다. 고갱의 작품은 평면적인 형태와 강렬한 색채, 주관적인 감정을 상징적으로 표현하였으며, 이후 야수주의 작가들에게 영향을 미쳤다.
19세기에 나타난 각 미술 사조의 특징에 대하여 알아보고 토론해 보자.
더 알아보자
작가의 일생：반 고흐
작가 중에는 살아 있는 동안에 작품을 인정받고 비교적 풍요로운 생활을 한 피카소, 로댕, 워홀 같은 작가가 있는 반면에, 살아 있는 동안에는 인정을 받지 못하다가 사후에 인정을 받는 반 고흐 같은 작가도 있다. 반 고흐는 작품을 인정 받지 못했기 때문에 작품이 잘 팔리지도 않았고, 그림을 그릴 물감을 살 돈도 벌지 못했다. 그래서 동생인 테오가 생활비, 작품 제작비 등을 보내 주었고, 반 고흐는 자신의 작품과 생활에 대한 이야기 등을 편지에 써서 테오에게 보냈다. 그의 편지를 읽어 보면 반 고흐의 작품 배경과 제작 의도 등을 이해하는 데 도움이 된다.
책 속으로－작가의 생애를 담은 책 읽기
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-책 제목： | |
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-작가의 생애 알아보기 |
-책 속에 담긴 작가의 모습 |
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-가장 인상적인 작품 붙이기 |
-작품의 의미 |
20세기 미술
과학과 기술의 발달로 인한 사회적인 인식의 변화는 20`세기의 미술에도 반영되어 과거의 틀에서 벗어나 독자적인 세계를 개척하게 했다. 이에 따라 표현 양식이나 재료, 기법이 다양해지면서 여러 유파가 생겨나 서로 영향을 주고받게 된다.
강렬한 색채를 쓰다：야수주의 | 야수주의는 감정을 색채로 표현할 수 있다고 생각하여 강렬한 색채를 추구하였다. 20`세기 초는 사회적으로 혼란스러운 때였기에 작가들은 작품을 통하여 심리적인 안정감, 균형 및 조화를 추구하였다. 야수주의의 대표적인 작가 마티스는 작품의 모든 생명력을 색채에서 찾았고, 형태를 단순화하였다. 대표적인 작가에는 마티스, 뒤피, 드랭, 루오, 블라맹크가 있다.
내면 세계를 표현하다：표현주의 | 표현주의는 독일에서 시작된 화파로, 원근법과 명암을 무시하고 형태를 왜곡, 변형하였으며 윤곽선을 강조하여 작가의 내면세계와 사회에 대한 비판 의식을 표현하였다. 표현주의는 반 고흐의 영향을 받았으며, 대표적인 작가로는 뭉크, 놀데 등이 있다.
알고 가기: 뭉크 이야기
뭉크는 우울하고 내성적인 성격이었다. 그는 ꡒ나는 그림 외에는 가족이 없다ꡓ고 말하기도 하였다. 물론 뭉크에게 가족이 없었던 것은 아니다. 그에게는 가족과 얽힌 슬픈 이야기가 있다. 어린 시절 어머니와 누나가 폐병으로 세상을 떠났으며 종교적으로 엄격한 아버지 밑에서 외롭게 살았다. 이러한 어린 시절의 어두운 기억은 노이로제 증세로 나타났고, 평생 그의 작품 주제가 되었다. 그의 대표 작품인 <절규>에서는 참을 수 없는 공포심과 광기를 느낄 수 있다.
형태를 재구성하다：입체주의 | 야수주의가 현대 미술에서 색채의 해방을 이루었다면, 입체주의는 형태 표현의 새로운 방법을 보여 주었다. 세잔이 새로운 방식으로 형태를 표현한 데 이어, 입체주의 작가들은 다양한 시점에서 관찰한 사물을 입체로 바꾸어 분해하여 표현하였다. 피카소는 대상의 특징을 한 시점이 아닌 여러 시점에서 보고 분해하여 새롭게 재구성하여 표현하였다. 대표적인 작가에는 피카소, 브라크, 레제가 있다.
알고 가기: 길게 표현한 작가－모딜리아니
모딜리아니`(Modigliani, Amedeo/1884~1920/이탈리아)의 작품 속 인물들은 모두 길고 가는 목과 가냘픈 어깨, 비례에 맞지 않는 이목구비를 하고 있다. 시선은 어딘가를 향한 듯 슬퍼 보이기도 하고 초점이 없어 보인다. 그는 이탈리아 출신으로 청년 작가들이 꿈꾸는 파리에서 활동하였다.
모딜리아니는 초상화를 매우 빨리 그렸다고 한다. 사람들은 시간을 많이 들여 자신과 똑같이 닮은 초상화를 그려 주기를 원하였지만, 그는 그 자리에서 바로 초상화를 완성하였고 그것은 사진처럼 닮은 것이 아니었다. 그는 그리는 대상의 내면을 직관적으로 통찰하였으며 그 사람과 자신 사이에 흐르는 분위기를 표현하였던 것이다. 이러한 모딜리아니의 개성 넘치는 인체 표현은 현대 미술의 한 획을 긋게 되었다.
속도를 표현하다：미래주의 | 20`세기는 새로운 기계가 발명되면서 일상과 노동에 획기적인 변화를 가져왔다. 작가들은 속도와 움직임, 기계에 대하여 많은 관심을 가졌으며 미래에 대한 긍정적인 관심을 적극적으로 표현하였다. 이러한 화파를 미래주의라고 부른다. 보초니, 발라와 같은 작가들은 과거의 미술을 부정하고 기계에 의한 에너지와 속도감을
표현하기 위해
노력하였다.
조형 요소와 원리를 표현하다：추상주의 | 20`세기 초 작가들은 사물의 형상을 그대로 재현하는 미술을 넘어서 순수한 조형 요소와 원리를 사용하여 작가의 의도를 표현하는 작품을 제작하였다. 칸딘스키는 점, 선, 형, 색 등의 조형 요소와 디자인 원리를 이용하여 마음속의 감흥을 표현한 추상화를 그렸다. 이후 작가들은 사물의 형상을 재현하지 않고 순수한 형태와 색채만으로 작품을 제작하기 시작하였다. 추상 조각가들은 재료가 가진 특성을 실험하여 새로운 공간을 창조하였다. 브란쿠시는 사물을 똑같이 만들지 않고 사물이 가진 이미지를 직관에 의하여 단순화한 추상 조소를 제작하였다.
현실을 넘어서다：초현실주의 | 1`차 세계 대전 이후의 풍경은 폐허와 같았다. 그래서 작가들은 풍경을 그리고 싶어 하지 않았다. 대신에 꿈, 공상, 환상의 세계를 주제로 그림을 그렸는데, 이러한 화파를 초현실주의라고 한다. 초현실주의는 현실 그 이상의 것 혹은 현실 초월을 의미하는 것으로, 이성과 의식이 아닌 무의식과 꿈에서 영감을 받았다. 자동기술법, 콜라주, 데칼코마니 등의 기법은 신비롭고 환상적인 화면을 표현하는 데 많이 사용되었다. 대표적인 작가로는 달리, 미로, 마그리트, 샤갈 등이 있다.
행위로 표현하며：추상 표현주의 | 추상 표현주의는 제2차 세계 대전에 의한 파괴와 황폐화에 대한 반발로 일어났다. 일부 작가들은 ꡐ미술이란 무엇인가ꡑ라는 질문에 ꡐ미술은 창조의 결과라기보다는 창조하는 과정이 중요한 것ꡑ이라고 생각했다. 추상 표현주의는 물감을 뿌리고 흘리는 행위 자체에 의미를 두었고, 일명 액션 페인팅이라고도 하며 정형화되지 않은 형태로 표현되는 서정적 추상의 경향을 나타낸다. 대표적인 작가로는 폴록과 데쿠닝이 있다.
대중을 위한 미술：팝 아트(pop art) | 1960년대 상품의 대량 생산화와 대중문화, 팝 문화가 미국에서 활발하게 일어났다. 많은 작가들은 이전의 주관적이고 이해하기 어려운 내용의 작품을 만드는 대신 친숙한 광고, 공장 상품, 대중 스타 등과 같은 대중적 이미지를 사용하여 작품을 제작하였다. 대표적인 작가로는 워홀과 리히텐슈타인 등이 있다.
영상을 활용하여：비디오 아트 | 현대 미술은 과학 기술의 발달과 더불어 영상 매체를 적극적으로 이용하였다. 비디오 아트는 1960년대 후반 미국에서 활발하게 전개되었는데, 대중과 친숙한 텔레비전과 비디오를 주로 이용하였다. 대표적인 작가로는 백남준이 있으며, 그는 현대 미디어 아트에 큰 영향을 끼쳤다. 영상 미술은 현대 미술의 중요한 분야로 비올라와 같은 작가는 촬영한 영상물을 작품에 주로 사용하였다.
자연 환경으로：대지 미술 | ꡐ미술품은 미술관에서ꡑ라는 상식을 깨고 주변의 환경을 적극적으로 이용하는 미술을 대지 미술이라고 한다. 대지 미술 작가들은 사막, 해변, 산악 등 거대한 자연을 매개로 작품을 제작하거나, 도시의 일상 환경 속에서 작품을 제작하고 설치한다. 대표적인 작가에는 스미스슨, 크리스토 등이 있다.
현대 사회의 특징이 반영된 미술 작품을 찾아 보고 이야기해보자 출차 : 중앙진흥 교과서